El contexto sanitario actual no sólo ha afectado duramente a las diversas disciplinas artísticas que hay en Chile, sino que también les ha permitido reinventarse y coquetear con nuevos formatos, temáticas y formas de hacer cultura. Es entonces que bajo que esta premisa Fundación Teatro a Mil vuelve a realizar, en conjunto con el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, la segunda edición de Danza Hoy, un ciclo de danza nacional que reúne a diversos artistas y espacios independientes para dar cuenta de cómo se han ido dando los diferentes procesos creativos a lo largo de todo el país, y al mismo tiempo para visibilizar a través de la plataforma digital de Teatroamil.tv, y totalmente gratis, 12 obras, dos de ellas estrenos, las que de alguna u otra forma dialogan con la situación en la que hoy nos vemos envueltos.

En esta ocasión Fundación Teatro a Mil invita a ser parte de esta conversación a los cinco espacios curatoriales que son parte de Danza Hoy:

• María José Cifuentes, miembro de Centro Nave, espacio curador de los tres capítulos de ECDISIS_Acciones para mudar la piel de Mundomoebio, y Motum de Claudio Puebla.
• Paulina Mellado, directora de la Cía Pe Mellado, sala curadora de la obra Respecto a su pregunta, no tengo certeza de ningún testigo en el lugar de los hechos, de Alexandra Miller.
• Sebastián de la Cuesta, director de Espacio Checoslovaquia, sala curadora que trae de vuelta la versión del 2001 de El lugar del deseo, de la Cía Pe Mellado.
• Darwin Elso, integrante del Centro Cultural Escénica en Movimiento, espacio que cura la obra Libre circulación de la Compañía Danza Con-Tensión de Concepción.
• Exequiel Gómez, miembro de Espacio La Vitrina, sala que cura y crea la performance Solxs en plural.

¿Cuáles fueron las motivaciones que tuvieron al momento de escoger las obras para este ciclo?

NAVE: Una de las motivaciones principales tiene que ver con las posibilidades de crear colaboraciones, Nave es un espacio que se dedica a eso, a los procesos de creación y los acompañamientos de los artistas, y justamente la pandemia y las posibilidades de creación digital nos han llevado también a entender esas búsquedas que también tienen que ver con crisis estéticas y éticas. Y eso pasa mucho por cómo renunciar a las maneras de hacer que había antes en la danza, por revelar visiones políticas de lo que hacemos hoy en estos estados de precarización, etc. En un principio no queríamos invitar sólo a una, sino que a dos, por un lado Rocío Rivera con el colectivo Mundomoebio, que es un artista que estuvimos apoyando el año pasado con un proyecto que se llamaba Tacto, y justamente Ecdisis estaba en ese proceso inicial donde estaba comenzando la colaboración con el Parque Cultural de Valparaíso, entonces nos parecía súper importante que la obra de Rocío tuviese la posibilidad de llegar a otros públicos, y Danza Hoy es la opción que tiene la danza para salir de los públicos más oficiales.

Por eso invitamos a Rocío, porque tenía una temática que nos parecía muy interesante que nos llevaba a repensar los estados actuales de cómo influye la tecnología, de este mudar de piel, de si somos capaces de ser resilientes en estos cambios que se van produciendo en la situación actual, y también con una mirada muy importante hacia el afuera, hacia el salir a la calle y sobre todo a salir a la naturaleza. Por otro lado, Claudio Puebla es una persona que empecé a seguir en redes, me parecía súper interesantes los ejercicios audiovisuales que hacía con diferentes artistas e intérpretes de la danza, Claudio viene de una tradición más vinculada a la danza urbana, entonces era interesante ver cómo transitaba hacia nuevos escenarios saliendo de la ciudad y vinculándose más con espacios y escenarios en el exterior. Empecé a seguir un poco su filosofía, porque creo que Claudio plantea una filosofía en torno a cómo pensar la conciencia corporal y la energía en vinculación con esos escenarios, y por eso aparece Motum dentro de una serie de videos que me parecían muy interesantes.

CÍA PE MELLADO: La curatoría es una decisión política que tiene que ver con una estética, entonces está muy entretenido que eso desplace hasta el espacio de la danza, siempre es así, siempre está eso de me tinca este, me tinca este otro, ves a tus compañeros y dices esto me interesa, y fue muy bonito participar de partida en el ciclo Danza Hoy, fue muy bonito que nos consideraran además, porque en el fondo es un reconocimiento a la curatoría del grupo, y coincidentemente también a nosotros nos propusieron dentro de esta curatoría una obra que se hizo justamente el 2001 y que fue muy interesante para el espacio y la época.

Lo que hicimos con parte del grupo fue hacer una seudo investigación, en algún minuto me vi con varias propuestas que no pudieron ser por distintas razones y con la Ale me encontré de una y de forma muy casual, y eso es lo bonito, porque parecen gestos azarosos que en el fondo nunca lo son. Estaba hablando con una amiga, que justamente es la coordinadora del magíster de artes visuales de La Chile, y le cuento que estaba buscando algo y me dice de repente oye y la Ale Miller, y me pasó un material, la obra en sí, y me encantó. Era entretenida esta combinación de productivizar nuestra vida pandémica con la cuestión autobiográfica, pero también la voladura o el despegue que ella hizo a partir de una cuestión tan concreta, a partir de ese título tan divertido que si te lo dicen al tiro caes en una situación muy concreta y es como la pesadilla de lo que eso puede llegar a significar.

CHECOESLOVAQUIA: Nosotros aceptamos la invitación de parte de la fundación encantados, creo que con El Lugar del deseo nadie se imaginaba que se podía programar y ahí estaba, era una obra que muchos querían y que estaba en el inconsciente colectivo de muchas personas, y eso nos puso muy contentos también. Entonces, estamos muy agradecidos de la invitación, consideramos que tenemos mucho que decir también en la curatoría en Chile y poder salir un poco de los márgenes establecidos, eso por un lado, por otro lado, particularmente el Lugar del deseo fue una obra que marcó un precedente, hay pocas obras que he visto en mi vida que han me han dado ganas de estar arriba del escenario, y esa es una de ellas.

ESCÉNICA EN MOVIMIENTO: Creo que una de las grandes motivaciones es poder apoyar la producción local, y también facilitar muchas veces nuestras mismas plataformas o redes para poder generar articulaciones de instancias de apoyo y finalmente es como entender que dentro del ecosistema de cultural, sobre todo de las artes escénicas específicamente de la danza contemporánea acá en Concepción y la región del Biobío, es pensar que como todos estamos dentro de un mismo sistema o comunidad si le va bien a uno nos va bien a todos, porque entendemos que todos estamos conectados.

LA VITRINA: Bueno, nosotres fuimos invitados a presentar un trabajo que de alguna u otra manera se estuviese dando en nuestro espacio, y los trabajos en pandemia de alguna u otra forma han sido en formato digital, entonces efectivamente nosotres hicimos un trabajo el año pasado, en plena pandemia, con una motivación bastante esperanzadora de poder generar algún trabajo continuo y obviamente este trabajo surge desde un lugar en donde no sabíamos muy cuándo ni cómo íbamos a terminar haciendo la obra como tal.

Hay una mezcla de saber, por ejemplo, tal vez la estructura, la metodología, pero no saber cómo iba a ser el producto acabado en relación a una obra en vivo a ser una obra en video, todo el rato estuvo en tensión la forma de crear esta propia metodología de avanzar como avanzamos o expandirnos como nos expandimos para realizar este trabajo, obviamente siempre estamos dentro de procesos creativos, porque somos un colectivo que ya lleva bastante tiempo en escena, entonces siempre estamos creando investigación corporal y poniendo algunos tópicos en escena que nos interesan.

¿Cómo fue entonces el trabajo de curatoría a través de las pantallas?

NAVE: Nosotros con Rocío teníamos una relación más cómplice, porque el año pasado había sido parte de la selección de artistas de Tacto y, por lo tanto, conocíamos el proyecto desde su origen. Ella ya nos había estado contando un poco cómo transformar un proyecto que era presencial, en sala, con estreno, con intérpretes, a un proyecto digital, entonces, ella abrió ese espacio de conversación en ese momento en Tacto con los programadores, con las salas, replantéandose un poco estas maneras de hacer y cómo esto se iba a llevar finalmente a una cápsula de video. Nos sentimos más cercanos al proceso de la Rocío en el sentido de que fuimos testigos de ese proceso hasta ir viendo los estrenos de las cápsulas que fueron surgiendo.

Nave se caracteriza mucho por eso, nosotros somos un espacio que intenta acompañar a los artistas y en este caso como que amadrinamos un poco el caso de la Rocío, en cambio con Claudio, yo me encontré con Motum antes, ya existía y era una de las obras que había visto por trocitos en el Instagram de Claudio y me empezó a llamar el universo creativo de Claudio y fue bonito, porque empezamos a conversar por chat sin conocernos hasta que finalmente tuvimos una reunión por Zoom, y ahí él me empezó a contar más sobre esta filosofía de movimiento y de conciencia corporal que tenía, y fue como entrar al universo de un artista desde la imagen hasta poder meterme a conversar con él y acompañar ese proceso e ir viendo juntos cuál era el mejor proyecto que se podía presentar en el ciclo. Entonces, el proceso con él no fue acompañar la obra sino más bien encontrarnos con el artista y entender cuáles eran sus deseos y sus universos.

CÍA PE MELLADO: En este caso, lo que más me emocionó, por todo ese gesto de reconstrucción de algo, es que hay una propuesta escénica potente, lo que me pareció todo el rato es que era trabajo y eso me importa mucho, no sé soy de la vieja escuela, no creo que haya una, no es que la gente no trabaje sino que son los modos en que cómo trabajas y ese modo acá se devela todo el rato, hay algo más profundo atrás, porque la obra tiene pocos recursos y repite, y está todo el rato el delay y repite, como algo medio minimalista, pero a la vez no, su ropa como muy cotidiana, también dice cosas. Lo bueno es que ella se pueda dar cuenta de la potencia que tiene en sí misma, porque yo la había visto en cosas grupales no en solo, siempre un solo es una instauración de uno mismo, es como un gesto muy fundante.

CHECOESLOVAQUIA: Cuando me llamaron para invitarnos al ciclo me puse a pensar qué obra propongo, y fue la primera que se me vino a la mente, y después de esa no hubo otra, esa obra tiene que volverse a dar, a mostrarse en esta instancia online, porque estas instancias me parecen espectaculares para poder mostrar y rescatar obras que están en el archivo y no solamente presentar estrenos.

Cuando hablé con la Paulina primero me dijo que no, que no sabía dónde estaba la obra, que habían pasado muchos años y le daba vergüenza porque podía ser malinterpretada hoy en día por lo que pasaba en esa época, han pasado veinte años, han cambiado los tiempos, y estaba bastante temerosa en ese sentido. Esa obra habla mucho de una violencia física de un hombre hacia una mujer y en ese tiempo era una manera de hablar o de tocar el tema, y hoy día no es la manera de hablar o tocarlo, entonces, habían cosas que le daban temor que fueran expuestas o vistas, porque podía pensarse que ése era su pensamiento, pero todos hemos cambiado, y a lo mejor no es que ella cambió su pensamiento sino el cómo, cómo contamos las cosas.

La tuve que convencer un poco, y por favor búscala y me cuentas cuando tengas una noticia, no tuve noticias de ella en tres o cuatro días, la llamé y me dijo que la tenía, y estaba muy contenta, y ahora hablando con ella me ha comentado que está muy contenta de que se esté mostrando, la gente del elenco está muy contenta también, y me daban las gracias por haberme acordado de ellos, cosa que para mí no es motivo de dar las gracias, las gracias deben ser a ellos no a mí.

ESCÉNICA EN MOVIMIENTO: Con la compañía Con-Tensión nos conocemos hace mucho tiempo y ello venían trabajando la danza moderna comparado con nosotros que veníamos trabajando danza contemporánea, entonces, quizás no nos encontramos tanto en la parte creativa, porque si bien no somos tendencias opuestas, trabajamos en líneas diferentes, pero estuvimos en el estreno, como espectadores, que fue en marzo en un espacio que se llama Teatro Bandera Negra, y como nos conocemos y conocemos el trabajo de María José y a sus intérpretes, cuando vimos esa propuesta dijimos: "Esto está súper contingente, la temática es contingente y está súper buena la propuesta audiovisual.” Entonces, ¿cómo un referente de Concepción puede ser visto?, también respetando las magnitudes, porque en el contexto local en el que nosotros nos situamos es un súper buen referente de hacer en lo audiovisual obras de danza, que es algo que va más allá de un registro de una obra sino que de cierta manera es una propuesta audiovisual y eso encontramos que era interesante.

LA VITRINA: Sabemos que cerraron cualquier cantidad de espacios y nosotros en la porfía seguimos trabajando, en algún momento uno habla de la resistencia, pero el arte en general es una resistencia, tiene que serlo. Ahora lo interesante de este trabajo del dos a uno es que los seis bailarines que quedamos en la agrupación empezamos trabajando completamente en cuarentena, todo el proceso fue online. Entonces, en un caso dos personas se juntaban, se coordinaban mediante el Zoom y si yo estaba lejos de Santiago me estaban coreografiando a distancia, ese proceso lo vivimos todes y de alguna u otra forma lo empezamos a trabajar desde ese lugar, pero en la medida que se abría ese espacio después se abrían más las posibilidades de que la cuarentena pasará de fase, este Solxs en plural fue generándose en diferentes lugares de cuarentena, transición y ya en la última etapa donde pudimos aunar y llegar a este video.

¿Cuáles serían los mayores desafíos de crear en pandemia o en confinamiento con todas las restricciones sanitarias que hay actualmente?

NAVE: Lo más complejo para nosotros han sido por un lado los temas económicos, porque lamentablemente en Chile no existen apoyos directos a centros de creación, por lo tanto, siempre nuestros apoyos se tienen que disfrazar de programas,porque finalmente tenemos recursos para programación, pero no para creación. Sin embargo, hemos logrado apoyar la creación artística nacional a través de acompañamientos virtuales, digitales, hemos logrado también que algunos artistas también puedan desarrollar proyectos en salas en los momentos en que las fases corresponden y nos hemos enfocado mucho en tener encuentros. Creo que no hemos abandonado a la comunidad artística, al contrario hemos estado bastante a la escucha, hemos intentado cambiar las lógicas programáticas, porque nos ha costado mucho el tema de la obra online, quizás ha sido algo a lo que le hemos tomado más distancia, porque también la naturaleza de la danza y de este giro más performativo que tiene el arte hoy implica otras maneras de pensar la cámara, entonces, hemos estado trabajando más con experimentaciones, probando formatos.

CÍA PE MELLADO: Creo que Gilles Deleuze decía algo así: "Frente a la adversidad a uno no le queda otra más que crear o ser creativo", en el fondo, en este caso nosotros partimos con la subsistencia y la resistencia, o sea, no me desespero por tocar o estar con la gente, claro que se echan de menos un montón de cosas, pero también hemos aprendido a aprovechar todas esas instancias para crear o generar algo propio, sé que a veces cuesta mucho, pero a veces hay que reinventarse, el Zoom no significa que no nos relacionemos, igual nos relacionamos. Nosotros como grupo hemos seguido trabajando, igual que los otros del Danza Hoy, pero en el fondo son puros desafíos, estoy igual de expectante que todo el mundo, porque lo que nos está pasando es demasiado raro, nos tocó vivir en muy poco tiempo tantas cosas, es como el misterio de la vida, y los artistas estamos todo el rato en eso, bueno todo el mundo, nosotros tenemos la cualidad de poder jugar con eso, de poder ponerlo o no. Entonces uno retoma textos antiguos, porque tienen una vuelta acá, es como le digo a mis estudiantes: "es el aquí y el ahora, atina, no pierdas tiempo".

CHECOSLOVAQUIA: Los recursos dan las posibilidades y con la pandemia hemos visto eso, la pandemia a fin de cuentas no ha impedido nada, lo que nos ha impedido crear o trabajar a la mayoría son los recursos, entonces no tiene que ver necesariamente con que no nos podemos juntar o que ver, eso es sólo es un tema para algunos, para los privilegiados la pandemia no es un tema, entonces no se puede decir que estamos todos igual, porque no nos tiene igual.

Creo que la transformación es válida si es que se hacen trabajos grabados para el formato audiovisual, pero el resto es archivo, no es nueva danza, no es nuevo lenguaje, es una obra que está grabada desde la galería o desde la platea, pero sí puedo entender, por ejemplo, cuando la fundación ha transmitido Rambert desde Europa y ahí sí creo que hay una nueva danza, un nuevo lenguaje que desde el comienzo está pensado para ser exhibido en ese formato, pero exhibir obras online es exhibir una obra que pasó hace un tiempo atrás.

ESCÉNICA EN MOVIMIENTO: La obra es una propuesta audiovisual, entonces, en ese contexto uno de los grandes desafíos sería que la obra pudiera de alguna manera ser vista o programada en diferentes plataformas, por eso el Ciclo le ayuda a visibilizarse. Otro de los desafíos que puede ser más a largo plazo es también cómo nosotros valoramos o podemos monetizar el valor de estas propuestas como una fuente de financiamiento que sea quizás alternativa, y que sea tan rentable como lo es la presencialidad, porque el valor que tiene en escénica es totalmente diferente al valor que tiene una propuesta audiovisual, primero porque involucra un equipo de trabajo diferente que no es solamente la persona que baila, sino que también es la persona que graba, hace el montaje, la que genera el guión, y por otro lado, en cuánto se podría cuantificar eso al ser visto, porque si es vista una vez quizás no es el mismo valor si es presencial. Nosotros como Escénica en Movimiento teníamos ciertas obras, pero ahora hemos quedado medio en stand by y han sido solamente registros, pero los registros de obras ahora son también poco interesantes de ver, la gente pierde cada vez más interés para verlos.

Creo que también es necesario tener más temáticas contingentes que fueran más reales y cercanas a la sociedad, eso está pasando y es muy bueno, más que hablar de mi contexto personal y que quiero expresar mi conflicto con la danza y cómo puedo articularme o moverme en los espacios para hablar sobre lo que está pasando con las inmobiliarias en Concepción, que eso encuentro que es súper positivo dentro la propuesta de Libre circulación.

LA VITRINA: El año pasado decidimos generar un trabajo que tiene que ver con esto de la colectividad, pero desde un lugar y una metodología diferente, ojalá trabajar dos personas con uno, entonces, cada uno de los seis, el formato como estructura cada uno de los seis trabajamos dos personas en un solo, cada uno fue coreografiado por dos personas, así que fue una mixtura bastante interesante, porque de alguna u otra manera ese fue el pie obligado para trabajar esta nueva forma de romper la creación unitaria y hacerla colectiva. Cuando decidimos hacer el video, decidimos habitar este espacio que es el Espacio Vitrina y tratar de contener la misma idea primogénita del fotoespacio original para poder desarrollar y lo hicimos distribuyéndonos en diferentes lugares de la casa.

Tal vez Solxs en plural pareciera ser una narración de varios solos, pero sin embargo fue súper compartido el proceso de creación, entonces sí efectivamente aparece como la manera, la forma, en los estados de un intérprete, pero esos intérpretes también están permeados por los estados y las maneras de quienes fueron sus coreógrafos. Hay mucha visualidad individual, muchos videos de gente bailando sola, vas a Instagram y la gente está bailando, porque claro, no para, imagínate que si se nos está prohibiendo juntarnos o tener esta cercanía es como cuáles son las estéticas que van a nacer después de la pandemia, es una pregunta muy interesante.

¿De qué manera la pandemia ha afectado su quehacer artístico y cómo se han replanteado su trabajo en el corto y mediano plazo?

NAVE: Lo más difícil en ese sentido tiene que ver con cómo recuperamos la presencia territorial con los vecinos y con las personas con las que trabajamos en el barrio, siento que de alguna manera con los artistas o con la comunidad artística en general hemos logrado sostener la creación de proyectos, invitarlos a cosas que sean de interés para ellos, proponerles cosas nuevas, entonces, en ese sentido Nave se reinventa ya sea en un plano presencial o digital y tenemos esa capacidad o esa resilencia para ir el fase a fase y el día a día.

Me pasa también que resistencia es una palabra que uno tiene tatuado desde el día uno, o sea, cuando uno crea un proyecto cultural ya decide resistir, porque el contexto de la cultura en Chile no permite ese desarrollo y esa expansión, por lo tanto, siempre estamos resistiendo el no cerrar, el no quebrar, el no desaparecer. Creo que hoy día más que la resistencia es la resiliencia y la capacidad de que si algo no funciona no frustrarse, modificar, estar siempre atentos y escuchando las posibilidades que vienen, entender que esto no va a acabar, entender que hay otras maneras de hacer, cuidarnos, para mí es asumir que el virus existe y que no se va, y que hay que pensar de otra manera, con menos aforo, pero sin dejar de hacer, lo importante es no paralizarse.

Me parece importante que la danza pueda ganar estos espacios programáticos, es importante que aumente este posibilidad de llegar a otros públicos, de estar visible en otras plataformas y que también en el fondo que los festivales u otros espacios puedan empezar a coproducir más danza, poner más recursos en la producción artística, creo que la danza merece tener más espacio y visibilidad en los contextos culturales nacionales en igualdad de condiciones de otras áreas, como no ser siempre el hermano chico, en verdad ganar esos espacios porque se lo merece.

CÍA PE MELLADO: Creo que ha sido desastroso para todos, lo que conocíamos prácticamente no está, no existe ni existirá, hay que reinventar, y esa cuestión es muy potente porque uno no tiene ganas, sobre todo a la edad de uno que quiere que todo siga igual, pero no. Es casi como la Mafalda de paren el mundo que me quiero bajar, no fue un proceso interno ni consciente de cada uno, la cosa es parar y reorganízarte, porque igual en otras dimensiones queda la cagá, y eso cuesta caleta, y es un cambio y una inflexión que no sé si todo el mundo pueda entender eso.

Seguimos trabajando, veamos si podemos hacer funciones online, no el video grabado, ahora es tratar de hacer la función online y vas buscando cómo confluye y cómo se desarrolla con los medios mismos que tienes. Entonces, no ha sido fácil, pero tampoco ha sido imposible, creo que la resistencia es interesante cuando es productiva, hay que ganarles la guerra, hay que saber sostenerse en esas dificultades y nunca estás solo en rigor, aunque estés muy solo.

CHECOESLOVAQUIA: Nos ha afectado muchísimo, nos golpeó muy duro, hubo mucho temor, muchas noches sin dormir, mucha angustia e incertidumbre, debo decir que ahora en el 2021, no es que estemos en otra parada, pero sí estamos en una actitud positiva, estamos trabajando todos los días porque esto va a resultar, estamos convencidos de que sí nos vamos a encontrar. Nosotros al ser un centro de creación y no un teatro vivimos de todo lo que se vive previo al estreno, los grupos nos llaman porque quieren ensayar, los vecinos nos preguntan cuándo vamos a abrir porque quieren ir a tomar clases, los niños quieren participar.

ESCÉNICA EN MOVIMIENTO: Nuestra propuesta es que más allá de generar un trabajo con los artistas podamos vincularnos con otros espacios e ir generando una especie de bola de nieve donde finalmente vamos sensibilizando y generando interés a corto y mediano plazo en las artes y la danza. Lo último es que nunca más sin nosotros, como nunca más sin regiones, porque igual de cierta manera el ciclo busca también generar mayor amplitud territorialmente y que lo permite este contexto de cuarentena, porque finalmente todas son súper centralizadas o nucleares y se entiende, porque hay mayor producción y porque son más visibles, y Teatro a Mil es de Santiago y es un plataforma bacán y mucho más grande que nosotros, y no es culpa de nadie que se generen esas propuestas, pero generar esa apertura a otros lugares que también tienen sus maneras de decir está súper bueno.

LA VITRINA: Se sabe que de alguna manera los artistas solemos ser muy porfiados, pero los artistas necesitamos tener recursos para poder funcionar, como todas las personas, creo que somos tan importantes como cualquier empresa de este país, incluso creo que somos fundamentales para sostener la cultura y la educación, no creo en la valorización que entre nosotros mismos nos vamos gestando, la tenemos bastante clara, me revelaba contra la palabra resistencia, a pesar de que la usé, porque creo que la resistencia pareciera que fuera la eternidad y tengo la esperanza de que en algún momento, o prontamente, realmente el arte no sea sólo la resistencia, sino que sea aquella situación que acompañe el día a día a cualquier persona.

Recuerda que todas las obras que son parte del Ciclo Danza Hoy 2021 se podrán ver de forma gratuita hasta el 11 de julio a través de Teatroamil.tv

Conoce toda la programación de este ciclo aquí.